En México, una de cada tres personas de 12 a 65 años de edad mantiene un consumo nocivo de alcohol.
El alcoholismo alcanzó a las mujeres: el número de bebedoras se ha triplicado. No hace mucho se prohibía que la mujer fumara o bebiera, y existía un estigma social en contra de la mujer alcohólica. Hoy en día, las mujeres podemos acudir a un bar, a la cantina, al antro, y consumir alcohol. Sin embargo, ¿hasta dónde el alcohol está controlando a la mujer?
La sociedad es más tolerante con el hombre que con la mujer adicta. Ellas viven su enfermedad en medio del rechazo social, secuelas físicas irreversibles, sentimientos de culpa y el abandono de su familia o pareja. Prueba de lo anterior es que el índice de divorcios entre parejas en las que la mujer es alcohólica es mucho mayor que en los casos en que el enfermo es el varón. Y qué decir de nuestras adolescentes que en pocos años se convertirán en mujeres.
Legalmente prohibido y socialmente permitido, el consumo del alcohol en adolescentes es cada vez más problemático, y de manera preocupante, se incrementa el índice de mujeres que beben en este segmento.
El alcohol es un ansiolítico de venta a cualquier hora del día; es un depresor del sistema nervioso que afecta la capacidad de juicio y deprime los sistemas inhibitorios de la persona, modificando su conducta. Está comprobado científicamente que las mujeres tenemos biológicamente menos tolerancia al alcohol.
¿Quieres saber por qué? Al consumir una bebida alcohólica, a los 30 o 45 minutos se alcanza la máxima concentración en la sangre y ésta lentamente va disminuyendo: un 10% se elimina en forma natural y el 90% restante será metabolizado por el hígado mediante unas sustancias químicas conocidas como enzimas. Las mujeres absorbemos más rápidamente el alcohol, tenemos menor cantidad de enzimas por lo que la tolerancia disminuye. Si un hombre consume una copa de alcohol, éste la procesa en una hora, mientras que la mujer tardará alrededor de hora y media o más en metabolizarla.
Las señales de que una mujer ha desarrollado adicción al alcohol son:
Las mujeres ocultan que beben para sentirse mejor, por lo que suelen esconder las bebidas en su oficina o casa.
Tienen sentimientos de culpa.
Desarrollan dependencia de otras personas.
Temen estar solas.
Tienen problemas personales y emocionales con la pareja.
Experimentan ansiedad, sudoración, nerviosismo y dolores de cabeza.
El consumo excesivo de alcohol nos lleva a una vida oscura. Las mujeres de hoy ejercemos diversos roles sociales que nos hacen vivir cada día en un constante estrés, y parecería que uno de los escapes está siendo el alcohol, que no es otra cosa que una puerta falsa que no nos lleva a ningún lugar.
Si has optado por esta forma de evasión, o conoces a alguna mujer que lo está haciendo, no hay que perder un minuto para pedir ayuda. Recuerda:
¡El alcohol es más duro con la mujer!
Sobre la autora: Lucía Legorreta de Cervantes es presidente del Consejo Nacional de CEFIM, Centro de Estudios y Formación Integral de la Mujer.
Isaac Ezban, productor, director y guionista, segundo de izquierda a derecha.
En la actualidad muy pocos cineastas mexicanos apuestan por hacer algo diferente, por realizar un proyecto que escape a los clichés y a los lugares comunes. En parte se entiende porque detrás de ellos hay un grupo de productores que invierten su capital para obtener ganancias, y también porque estos realizadores no desean sacrificar la oportunidad que se les brinda, y saben que al ir en contra de lo establecido podrían quedar fuera de la jugada. Por eso mismo buscan darle continuidad a sus carreras cinematográficas, dejando de lado no sólo sus gustos personales sino algo más importante: sus sueños de cineastas.
Pese a todo, hay gente que lucha, que se esfuerza, y lo mejor de todo que se aferra a sus propias convicciones, las cuales se vuelven más desafiantes al incursionar en el género Fantástico, o la Ciencia Ficción, temáticas bastante maltratadas en la Historia del Cine Nacional, pero que a pesar de lo inconsistente que resultan, de vez en cuando suelen aparecer verdaderas joyas que en poco tiempo se convierten en cintas de culto. Este es el caso de El Incidente (Isaac Ezban, 2015), ópera prima que ha recibido varios premios internacionales, antes de su estreno en nuestro país a fines del año pasado.
Ezban y su esposa con el elenco de la cinta.
Al abrir la proyección nos encontramos primero con un par de jóvenes y un agente policíaco, atrapados en las escaleras de un edifico; y minutos más tarde cambia el escenario, y ahora se trata de una familia a bordo de un automóvil tratando de llegar a su destino. Dos historias viviendo una misma situación: jamás logran salir de su circunstancia.
La actriz Nailea Norvind.
En la primera historia el encierro es material. Tanto el agente policíaco como uno de los jóvenes suben y bajan las escaleras sin poder llegar a ninguna salida. No hay puertas abiertas porque todas están selladas. Lo peor es que el tiempo avanza, y de horas y días transcurridos, pasan a convertirse en meses y años. Lo inverosímil rompe las leyes de la lógica.
Por lo que respecta a la segunda trama, la reclusión es metafórica: el automóvil donde viaja la familia recorre una carretera infinita que no lleva a ningún lugar, obligando a que sus ocupantes siempre vuelvan al mismo punto de partida.
En ambos casos, los personajes caen en la desesperación, en los reproches, la culpabilidad mutua, la histeria y por último en la locura. Esta última manifestación patológica como puerta de emergencia para evadir una desquiciante realidad que conmueve y da paso al drama de vivir en un encierro asfixiante donde las rutinas cotidianas son de alguna manera la condena que deben cumplir como prisioneros de su propio destino.
Podría decirse que son tres los ejes motores de esta película: el misterio que provoca la sorprendente situación; la representación de los personajes que siempre están al límite, y tienen razones para estarlo; y por último, el paso del tiempo en el ser humano y lo que representa.
Una situación extrema que va más allá de nuestro razonamiento involucra a gente como uno, es la esencia del misterio. Revelarlo sería una herejía. No conviene saber cómo le hace el mago para sacar al conejo blanco. Si lo averiguamos se cae la magia; en la película también.
En una de sus clases, Guillermo Arriaga insistía –y seguramente insiste-, en que todo escritor de cine en situaciones extremas, debe llevar al límite a sus personajes para volverlos verisímiles, y eso es algo de lo que Isaac Ezban consigue acertadamente.
Con respecto a la dimensión del tiempo es algo que tanto el Cine como la Literatura han explorado desde hace mucho tiempo, y sobran ejemplos. Pero la forma de abordarlo en esta película conmueve. La vejez se nos presenta no sólo como la pérdida de funciones fisiológicas y motoras, sino como la incapacidad misma para comunicarse y la ansiedad –pues la vida se extingue- de atreverse lo que se tenía guardado, o peor aún, lo que al fin ha logrado recordarse.
Todo lo anterior, aunado con los detalles de la decadencia, el hacinamiento donde se desenvuelven los personajes de ambas historias hacen que uno queda más que sorprendido. Lo mismo sucede con el final. Un final que deja abierta la posibilidad de que todo vuelva a repetirse, pues como reza el eslogan de la cinta: La única salida es seguir avanzando.
Úrsula: ¡Tienes tu belleza!… además no subestimes la importancia del lenguaje corporal, ¡JA!
La Sirenita
Si algo nos han enseñado los superhéroes, villanos y demás personajes de caricatura es que con nuestro cuerpo podemos transmitir muchas cosas. Nuestro cuerpo habla y además no sabe mentir, lo vemos en el caminar de esa niña en tacones de 15 cm. que transmite la misma inseguridad que Bambi caminando en hielo, o el poli de la entrada al corporativo que nos contagia la misma flojera que el perro Droopy.
Al contrario de los que se piensa, todos somos expertos en lenguaje corporal, pues sabemos leerlo, usarlo y decodificar sus mensajes. Piensa en cuando tu pareja se transforma en Hulk y tú le pones carita de gatito de Shrek para calmarla. Pero lo que muy pocos hacemos es usarlo de manera consciente para gozar sus beneficios. ¿Quieres transmitir seguridad, confianza y poder?… Mira 5 nada fantasiosas recomendaciones de lenguaje corporal inspiradas en las caricaturas:
Movimientos certeros y marcados.- cualquier desplazamiento de tu cuerpo hazlo con seguridad y fuerza; siempre hacia adelante. ¿Cómo entraría a una junta o levantaría la mano para pedir la palabra Superman?
Postura abierta.- los brazos agarrados al frente, atrás o cruzados cierran los canales de comunicación y comunican inseguridad. Adopta la postura de Darth Vader o la Mujer Maravilla de manos a la cintura para mostrar apretura y dinamismo, pero con autoridad y poder.
Sonríe.- Peter Pan, además de seguir las primeras dos recomendaciones, ¡a la vez sonríe! Eso le da un halo de confianza y seguridad en todo lo que hace. ¡Imítalo!
Contacto visual.- ¿Te has dado cuenta de que todas las caricaturas tienen los ojos particularmente grandes? Esto es para darles mayor capacidad de expresión. Usa tus ojos para comunicar lo que quieras y para ver más allá de lo evidente (si entendiste esta referencia de caricatura, acéptalo, ya estás ruco).
Voz sonora.- la gente asocia las voces potentes con confianza y autoridad. Pero no te confundas, no grites ni hables fuerte, sólo hazte escuchar con claridad… como Mufasa.
Pero el verdadero superpoder del lenguaje corporal no está sólo en la forma como nos van a percibir y en lo que haremos sentir a los demás. Las universidades de Harvard y Berkeley ya comprobaron que al hacer estos movimientos, nuestro cuerpo también sentirá poder, confianza y seguridad, afectando nuestro comportamiento y haciéndonos más eficaces.
¨Las joyas tienen alma. Más allá del material con el que son hechas, está el valor inmaterial, abstracto, puro y ancestral con el que son creadas. Eso es lo que las convierte en eternas.¨
Olga Prieto es originaria de La Coruña, España, y farmacéutica de profesión. Sin embargo, desde el momento en el que llega a México, imprevistamente descubre su pasión por la joyería. Fascinada del trabajo hecho a mano, empieza a colaborar con artesanos locales. De este tándem perfecto, que combina la visión y creatividad de la diseñadora con el trabajo artesanal, han surgido fantásticas colecciones a través de los años.
La marca OLGA PRIETO, creada hace más de una década, tiene como señas de identidad el uso del latón, las piedras semipreciosas y el trabajo hecho a mano. Cada pieza sigue un proceso puramente artesanal, que son elaboradas a partir de hilos y lámina de latón en un pequeño taller en la Ciudad de México, usando técnicas ancestrales dominadas a lo largo de generaciones de artesanos mexicanos.
El latón, de un color amarillo intenso, es una aleación de cobre y cinc, que se usa desde tiempos prehistóricos por su ductilidad y su extraordinario parecido al oro.
El metal se martillea, dobla, cincela y retuerce por la mano del artesano. Este antiguo arte, dominado durante generaciones, por orfebres mexicanos, requiere de habilidades manuales excepcionales, además de amor por el detalle y conocimiento de los metales nobles. Las piedras, que van desde zafiros, aguamarinas, labradoritas o cuarzos. Cada una de ellas es seleccionada por Olga, en función de sus caprichosas formas y sus peculiaridades, convirtiendo a cada pieza en una joya única e irrepetible.
Una de las particularidades que caracteriza a OLGA PRIETO es su incompatibilidad con las tendencias de la joyería vanguardista. Prudentemente, crea piezas atemporales y sobrias, que pueden ser utilizadas en cualquier época del año y por cualquier persona. Y el rasgo más distintivo que posee, es la preocupación que tiene por reflejar en cada pieza su alma de artesano.
“Del racismo nadie se escapa. La cuestión no es si somos racistas; es cuánto y cómo lo somos. “
Imágenes para ver-te. Una exhibición del racismo en México explora, por medio del arte, el origen y la permanencia de esta característica, definitoria de nuestra idiosincrasia nacional: cuadros costumbristas, fotografías científicas y estudios frenológicos de los siglos XVIII y XIX dialogan, con cierto humor negro (sin intención de agredir), con obras contemporáneas de Francisco Toledo, César Rangel y Mauricio Gómez Morín, entre muchos más.
A través de las diversas salas del Museo de la Ciudad de México constatamos cómo una equívoca explicación biológica evolucionó hasta naturalizar la superioridad de un grupo, la sumisión de otro y la imposición de un canon de belleza ajeno. Excelente ejemplo de ello son dos retratos del Gral. Porfirio Díaz. El primero, de su juventud, destaca sus rasgos indígenas y su piel morena; en línea con el orgullo oaxaqueño propiciado por el presidente Benito Juárez. Varias décadas después, para el Centenario de la Independencia, un segundo retrato revelaría el “blanqueamiento” del mexicano como nuevo ideal.
Entre aquel pasado y nuestro presente no parece haber muchos cambios; lo que fue la raza para el siglo XIX, lo es ahora el código postal. Así lo evidencian tanto los Cuadros de Castas de la época colonial, como las parodias realizadas por “El Crayolas” Pérez o la fabulosa “Gatúbela” de la serie Superhéroes de Dulce Pinzón, que ofrece una original mirada al trabajo de los migrantes.
La principal virtud de esta exposición es su sutil confrontación, ya que al igual que el video elaborado por CONAPRED ‒ en el que niños y niñas de 10 años inútilmente tratan de justificar porqué atribuyen a un muñeco rubio y “ojiazul” más cualidades que a un muñeco negro con ojos cafés (que, por cierto, es el mismo muñeco pintado y con otro color de ojos), nos descubrimos sin argumentos válidos que justifiquen cualquiera de nuestros prejuicios. Así que, aventúrate a descubrir y a encarar los tuyos.
Museo de la Ciudad de México.
Pino Suarez 30.
Martes a domingo, 10-18 hrs.
Hasta el 25 de septiembre, 2016
Historiadora del arte
El nombre de esta sección, Metaxú, es un término griego que significa «mientras, en medio de o entre tanto»; un lugar a mitad de camino. Es un momento: mientras tanto. Es una persona: intermediario; lo próximo, lo adjunto. Simone Weil lo define como un muro que a la vez que separa, comunica. Las exposiciones que invito a ver suceden entre una entrega y otra.
cyaguirre17@gmail.com
Video:
«Imágenes para ver-te», la exposición que confronta al racismo
Pai Pai es una marca de labiales inspirada en la cultura mexicana. Busca fusionar el arte y la belleza de nuestro país en sus productos.
Esta marca toma su nombre de un pueblo originario de Baja California, que significa: “gente viva, gente que se mueve”. En cada una de sus campañas se apoya en el talento de artistas mexicanos, quienes para realizar sus creaciones se inspiran en la naturaleza y el folclor de nuestro país.
Este verano, la imagen de la nueva colección de lipsticks de Pai Pai fue creada por la diseñadora mexicana Isabella Moreno, que trabaja con el sentir y la belleza integral de la mujer. La colección se lanzó el 15 de junio, teniendo como imagen a la modelo mexicana Samantha Zajarías, sin duda, fiel representante de la belleza nacional y personalidad de una mujer Pai Pai: divertida, fresca y extrovertida.
Isabella trató de reflejar en sus diseños las características que irradian algunos animales: el poder de la pantera, la sabiduría de los elefantes, la inteligencia de los pulpos, la intuición y el dinamismo de las serpientes, así como la elegancia del avestruz.
Cada serie de labiales usa colores referentes a la temporada en que son lanzadas. Inspirados en el trópico mexicano, su nueva gama de colores comprende desde tonos rojizos, hasta rosados, logrando una esencia cálida y juvenil. Y por su puesto, no podía faltar su ya afamado color Celosía, presente en antiguas colecciones.
Hay que resaltar el arte plasmado en cada uno de los productos PAI PAI, pero también es importante notar que estos labiales cuentan con ingredientes naturales, tales como el aceite de oliva y la manteca de mango, los cuales proporcionan una mejor hidratación y sobre todo, una suave textura.
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“Todos a Jugar” se trata doce historias de ficción en las cuales se visibilizan situaciones de niños con diversos obstáculos en su desarrollo (cognitivos, sensoriales, psicomotrices y emocionales), pero presentados desde su potencial creativo y a partir del encuentro en el juego que se da en la plaza.
Silvana Filadoro es psicopedagoga, trabaja con niños con discapacidad, muchos de ellos internados por períodos muy largos. Un día se le ocurrió leerle a uno de sus pacientes un cuento que fuera más cercano a su realidad, que tuviera, por ejemplo, personajes con alguna discapacidad. Pero, para su sorpresa, no pudo encontrar ni una librería con cuentos de este tipo. Entonces se preguntó: ¿quién cuenta las historias de esos chicos, en qué espacios se hacen visibles? Y la librera de su barrio le contestó “eso lo vas a tener que escribir vos Silvana”. Y así fue.
Silvana convocó a Susana Lopatin, psicóloga y compañera de trabajo, para escribir algunos cuentos basados en sus experiencias terapéuticas y así nacieron los libros “Todos a Jugar”, que lograron editar luego de mucho esfuerzo y que hoy están disponibles en librerías de todo el país.
¿Por qué es tan importante esta iniciativa? Las familias que tienen a un hijo con discapacidad viven rodeadas de información y cotidianamente se enfrentan a la difícil realidad que conlleva moverse y tener que luchar para que su hijo acceda a los mismos derechos que una persona que no padece una discapacidad. Pero, ¿qué pasa con el resto de la sociedad, dónde se encuentra con la realidad de la discapacidad, donde conocen sus historias?
Estas son algunas de las preguntas que se hicieron las autoras de la colección de cuentos “Todos a Jugar” y es por eso hoy quieren que sus cuentos llegan a todos lados. Desde Zona de Sentidos nos sumamos a este objetivo y convocamos a todos a difundir los cuentos en todos los ambientes donde se desconoce sobre la discapacidad.
A continuación compartimos las reflexiones de las autoras, Silvana Filadoro y Susana Lopatin, en la entrevista que brindaron a Zona de Sentidos:
Susana Lopatin y Silvana Filadoro en la presentación del libro “Todos a jugar” en la Feria del libro 2016
¿Cómo surgió el proyecto?
SF: Yo trabajo en la Clínica de Rehabilitación ALCLA donde hay niños internados por períodos muy prolongados, a veces años. Cuando les contaba algún cuento sentía que había mucha distancia entre su realidad y el mundo que yo les presentaba a través de las historias, que no tenían puntos en los cuales reconocerse o sentirse identificados. Entonces empecé a recorrer librerías, pero para mi sorpresa, no encontré nada que tuviera un cuento con algún niño en silla de ruedas o con algún tipo de discapacidad. Entonces me pregunté ¿qué pasa con las minorías que no son representadas, que no aparecen en ningún lado? ¿Quién cuenta las historias de esos chicos? Y la librera de mi barrio que dio la respuesta, “eso lo vas a tener que escribir vos”, me dijo. Así fue como la convoqué a Susana y empezamos a escribir.
SL: En ese momento dijimos, “lo escribimos, lo anillamos y repartimos los cuentos en las escuelas especiales a ver qué recepción tiene”. Pero después todo tomó otro vuelo.
SF: Nos dimos cuenta de que lo más rico de este proyecto, no estaba en el micromundo de quienes tenemos contacto cotidiano con las personas con discapacidad, sino en salir para afuera, en dar visibilidad a la realidad que viven los niños que tienen alguna discapacidad.
SL: El potencial de los cuentos es la sociedad en general y con esta idea en mente continuamos. Mucha gente nos apoyó y alentó, sin embargo el salto fue cuando llegamos a la Fundación Fundalc (Fundación de la Clínica Alcla), ellos nos apoyaron para darle forma al proyecto. Después armamos carpetas para llevar a las editoriales y Bonum se interesó especialmente en la idea y nos publicó los libros, que hoy están en todas las capitales del interior del país y en Paraguay.
¿De qué se tratan las historias?
SF: Son todas historias de ficción, pero están totalmente están basadas en nuestras experiencias personales del trabajo con pacientes. En el cuento de “La alfombra mágica”, por ejemplo, Lourdes, que es uno de los personajes de la historia, usa una alfombra para tirarse del tobogán, ese dispositivo de la alfombra no es algo que inventé yo, lo inventó la mamá de un nene con un trastorno motor muy severo, que era paciente mío del hospital. Como su hijo no podía mantenerse sentado, ella ideó esta forma de llevarle una alfombra a la plaza para que pueda disfrutar del tobogán.
SL: Los cuentos narran hechos y situaciones de vida que nos han relatado padres y niños en los 30 años de trabajo en la especialidad.
SF: Son historias además que están aggiornadas desde una mirada inclusiva. Son ficciones que intentan ser una ventana al mundo del niño con discapacidad desde una mirada de la inclusión. La idea es construir una visión de mayor apertura y aceptación de la diversidad, desde el conocer la realidad, porque es imposible aceptar aquello que no conocemos, que no vemos o que no queremos ver.
SL: En otro de los cuentos, dos personajes Juan y Mora (quien está en una silla de ruedas), se ponen de acuerdo para ir a jugar juntos a la plaza, pero cuando van por la vereda a Mora se le traba la silla en una baldosa y cuando llegan a la esquina no encuentran rampa para cruzar la calle. Están a solo a tres cuadras de la plaza y les es dificilísimo llegar para poder jugar. Estas situaciones a Juan lo sorprenden y se empieza a preguntar por qué Mora no puede ser libre, como él, de ir a donde quiera ir. Lo que pretendemos o soñamos con las historias es que estas reflexiones, como las que tiene Juan, lleguen a los niños a través de los personajes.
SF: El obstáculo, que es en este caso para Mora el acceso con su silla de ruedas, deviene en posibilidad de aprendizaje para todos. Una de las personas que a mí particularmente me alentó fue el escritor Osmar Ruiz Bondoni, cuando le llevé los cuentos me dijo que tenían tres cosas: que eran tiernos, que estaban bien escritos y que no tenían piedad. Se refería a que no se presentaba a la discapacidad desde lo compasivo y las lágrimas, sino desde la realidad y eso le parecía muy interesante.
¿Por qué se llama “Todos a Jugar”?
SF: Elegimos “el juego” porque es un espacio universal de encuentro, más allá de las capacidades y de la edad, el juego es un lugar de inclusión. Y el título tiene que ver con esto, el “todos” como lugar inclusivo y el “jugar” con ese espacio universal que nos abarca a todos. Por otro lado elegimos como escenario “la plaza” porque es un lugar inclusivo de por sí y también porque queremos que esto salga para afuera. Hay muchos papás que no se animan a ir con su hijo con discapacidad a la plaza, por miedo a que le pase algo o porque piensan que se puede lastimar. Sin embargo a veces los chicos son más creativos que los grandes, tienen menos prejuicios y son más libres, los chicos se sobreponen a todo y se ponen a jugar juntos más allá de los miedos, esto es algo que se ve en los cuentos y que también puede ser inspiración para los papás.
SL: Muchas veces pasa que entre tanta rehabilitación y tratamientos parece que no hay espacio para la diversión, el esparcimiento y la creatividad, y el juego permite eso, el acceso simbólico y el crecimiento en general.
SF: En el hospital una vez estábamos pensando en la externación de un paciente que llevaba mucho tiempo internado y una fisiatra me dijo “quién soy yo para negarle a un chico a que vaya a la plaza a disfrutar de ver el aire, el sol y las palomas”. Esa reflexión a mí me hizo pensar mucho. A veces, por querer lograr tanto a través de las terapias nos perdemos de las cosas básicas de la vida.
SL: Es que estamos educados para no objetar al modelo médico, pero a veces nos proponen cosas y uno se pregunta ¿y cuál es el momento del tiempo libre, dónde está el esparcimiento, el descanso?
¿Es fácil tratar el tema de la discapacidad hoy?
SL: Yo creo que hoy es un momento muy propicio para tratar el tema de la discapacidad. Antes había una mirada más prejuiciosa, segregatoria y compasiva de la discapacidad, o la idea de que “de eso no se habla”. Pero para poder incluir a alguien necesitamos saber que existen esas diferencias, conocerlas aceptarlas y así luego podemos incluirlas. Hoy hay una mayor conciencia de las diferencias y eso favorece a poder tratar y trabajar estos temas.
SF: Lo cuentos son un dispositivo literario y lo que te permiten es que cualquiera que lo lea se pueda poner en la piel de ese personaje. Al ser simbólico, no se trata de una persona en particular, pero una vez que te podés poner en la piel de esa persona y seguramente eso te ayudará a tener una mirada diferente cuando te encuentres con una persona que se parezca a ese personaje. Eso favorece para tratar el tema de la discapacidad desde un lugar más cercano y natural.
¿Qué hay que seguir haciendo?
SL: Cuando empezamos con el proyecto creíamos que iban a ser historias para que nuestros pacientes con discapacidad encontraran un lugar donde se sientan representados y se reconozcan. Pero ahora nuestro objetivo es llegar más allá, no queremos quedarnos en la escuela especial, estos libros tienen que ir a la escuela común. Y es por eso que queremos ir a la escuela de maestros para formar a los docentes. También hemos hecho algunos talleres para chicos en escuelas comunes, hemos llevado a una relatora y a una intérprete de señas para compartir los cuentos, en otra oportunidad hicimos un taller de señas para que los chicos en una escuela común vivencien lo que es el lenguaje de señas, hicimos también un juego con el cuento de la alfombra mágica en el cual los chicos tenían que jugar pero inmovilizando alguna parte del cuerpo. A través de lo simbólico vamos buscando distintas maneras de trabajar la discapacidad con niños que desconocen del tema.
SF: Sin embargo esta experiencia de los talleres, la podemos replicar algunas veces más, pero es un trabajo de hormiga a través del cual no llegaríamos nunca a abarcar todas las escuelas. Por eso queremos ir a los espacios de formación docente y llegar también a los profesorados de las maestras jardineras o de escuelas primarias. Nuestro objetivo es que llegue a todas las escuelas públicas como parte de las lecturas de los chicos.
SL: La idea de este proyecto es generar otra manera de mirar a la discapacidad y entender que no somos todos uniformes e iguales y que está bueno que no seamos.
Acerca de las autoras
Silvana Filadoro. Es Licenciada en Psicopedagogía, integrante del equipo de Psicopedagogía del Hospital de Rehabilitación Manuel Rocca, de la Ciudad de Buenos Aires desde 1991. Forma parte del equipo que asiste niños disminuidos visuales con multidéficit. Desde 2009 integra el equipo de pediatría de la Clínica de Rehabilitación ALCLA.
Susana Lopatin. Licenciada en Psicología, egresada de la Universidad de Buenos Aires (1980). Formación en Psicoanálisis. Psicóloga de planta de la Unidad de Salud Mental del Hospital de Rehabilitación “Manuel Rocca”. Dedicada a la atención de pacientes con trastornos del lenguaje y con discapacidad auditiva. Miembro integrante del Comité de Atención de Personas Hipoacúsicas.
Si buscas una barbería de categoría en la Ciudad de México, inspirada en la OLD SCHOOL, ROYAL se convertirá en tu lugar favorito.
Ubicada en la mejor zona de Polanco, enclavada entre Paseo de la Reforma y Campos Elíseos, la barbería Royal es un espacio moderno y clásico a la vez, elegante y muy cosmopolita.
El concepto de esta barbería está inspirado en la realeza europea. Sus servicios son dignos del hombre que disfruta la atención especial y demanda un servicio de calidad.
Royal consiente a sus clientes –entre los que se encuentran empresarios, hombres de negocios, creativos y turistas– con las mejores bebidas de su selecto bar, así como con tratamientos complementarios para la piel y el cabello, mientras un staff de primer nivel se encarga de realizar los mejores cortes de cabello y barba.
Cuenta con barberos certificados de México y Brooklyn, especialistas tanto en estilos clásicos como en tendencias de moda. También, ofrece el tradicional servicio de boleado de zapatos.
Cuando pases por Polanco, visita la barbería Royal. Vivirás una experiencia digna de reyes.
Masculinidad y elegancia. Después de completar su especialidad en diseño de moda en Madrid, el diseñador Galo Bertin se percata de que, frente a la amplia oferta que existe en el mercado internacional, las propuestas de moda para hombre son escasas en el mercado mexicano.
El diseñador se enfocó en adoptar nuevas visiones y conocer otras culturas, dándose cuenta de que debía ofrecer al público lo mismo que él buscaba: sastrería con un estilo único, a la vez moderno y elegante.
Fue así que fundó en 2010 la marca que lleva su nombre: GALO BERTI, con el objetivo de trascender y convertir su pasión por la moda masculina en un estilo de vida.
Sus prendas, hechas a la medida, tienen detalles únicos inspirados en la moda europea, pero adaptados al hombre mexicano. En 2013 abrió su primera boutique en Querétaro, su ciudad natal, la cual, desde entonces, ha sido un espacio dedicado a la confección de sus colecciones.
Cada colección de GALO BERTIN busca transmitir una historia. Sus diseños muestran un aire más fresco y casual en esta temporada Primavera – Verano, la cual se concentra en la idea del lujo minimalista que enmarca una personalidad atrayente y distinguida.
Galo ha decidido dejar atrás las grandes producciones en las que la ropa es presentada en escenarios extraordinarios, para plasmar en un espacio simple lo que es realmente primordial: la personalidad del hombre.
imprevistamente descubre su pasión por la joyería. Fascinada del trabajo hecho a mano, empieza a colaborar con artesanos locales. De este tándem perfecto, que combina la visión y creatividad de la diseñadora con el trabajo artesanal, han surgido fantásticas colecciones a través de los años.
