Por Andrea Trujillo
Recordamos a una película por diferentes cosas; por su mensaje, los efectos especiales, las actuaciones de los intérpretes y especialmente por su imagen. Independientemente del género y el argumento, si es buena o mala, cuando se realiza una buena labor en la fotografía, el sentido de una cinta puede cambiar por completo y proporciona un elemento de gran fuerza con el que puede ser valorada. La dirección de fotografía en un filme es de suma importancia, pues a través de los colores, la iluminación, los movimientos de cámara y los encuadres, se puede lograr la atmósfera y estética visual particular de la cinta con la que se generarán en el espectador diferentes emociones.
Existen múltiples películas que destacan entre miles por el arte fotográfico que concedieron sus directores y que dieron un valor excepcional a la cinta, más allá de la historia o con la que hicieron una singular combinación. De una larga lista, elegimos 20 películas que si bien muchas de ellas pueden no ser las mejores, igualmente podrán disfrutar por su impecable diseño de fotografía.
“The Grand Budapest Hotel” (2014), Wes Anderson
Fotografía: Robert D. Yeoman
Esta cinta fue rodada en tres proporciones de imagen diferentes y eso es lo que la hace tan especial. Predominan las composiciones centradas y la utilización de iluminación artificial fue desmesurada.
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“Dersu Uzala” (1975), Akira Kurosawa
Fotografía: Fyodor Dobronravov, Yuriy Gantman, Asakazu Nakai
Dersu Uzala fue rodada en formato de 70 mm, captando a la perfección el paisaje en una sucesión de momentos en los que casi podemos sentir la naturaleza. Predominan los planos fijos en tonos apagados, donde prevalecen los colores marrones, grises y blancos.
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“Butch Cassidy and the Sundance Kid” (1969), George Roy Hill
Fotografía: Conrad L. Hall
Los encuadres meticulosos de los paisajes hacen de este filme uno de los mejores trabajos de Conrad L. Hall, que además le mereció el premio Oscar por mejor fotografía en 1970.
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“The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford” (2007), Andrew Dominik
Fotografía: Roger Deakins
Una de las últimas películas fotografiadas en celuloide por Roger Deakins, antes de su transición a la tecnología digital. Rodada en 35 mm, destaca la utilización de lentes antiguas que añadieron distorsiones en la imagen para conseguir una apariencia similar a las primeras cámaras de cine.
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“The Aviator” (2004), Martin Scorsese
Fotografía: Robert Richardson
Esta cinta es uno de los mejores casos en que, mediante la tecnología digital, se logra a la perfección la apariencia del celuloide clásico. La intención del director era obtener un acabado similar al sistema Technicolor, de dos tiras en la primera parte y tres en la última.
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“Schindler’s List” (1993), Steven Spielberg
Fotografía: Janusz Kaminski
El tratamiento y la densidad del blanco y negro en esta cinta, hace que sea considerada como una de las mejores de la época moderna. Sobresale la utilización de angulares que enfatizan a los personajes en primer plano, los detalles de diferentes objetos y el uso de focales largas para crear planos únicos.
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“The Thin Red Line” (1998), Terrence Malick
Fotografía: John Toll
La fotografía en las películas de Terrence Malick tienen un elemento en común: el uso de angulares para las tomas de espacios abiertos, y tomas a contraluz para reflejar el estado de ánimo de los protagonistas.
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“Baraka” (1992), Ron Fricke
Fotografía: Ron Fricke
No hay manera en que esta película pueda disgustar a ningún fotógrafo. Rodada en 24 países en formato de 70 mm, “Baraka” muestra los más extraordinarios paisajes en increíbles encuadres. La cinta es excepcional, pues no existe la intervención de la palabra y sólo vemos una sucesión de imágenes y sonidos que integran secuencias de naturaleza, la urbe e industrialización y las tradiciones de diferentes grupos étnicos.
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“My Blueberry Nights” (2007), Wong Kar Wai
Fotografía: Darius Khondji, Pung-Leung Kwan
En esta película destaca la fotografía por encima del argumento y las interpretaciones de los actores. Wong Kar Wai utiliza la saturación de color y un enmarcado en las tomas donde podemos ver a través del cristal a los protagonistas en diferentes escenas.
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“The Godfather Part III ” (1990), Francis Ford Coppola
Fotografía: Gordon Willis
En 1990, la tercera parte de la saga de “El Padrino” recibió la nominación al Premio Oscar por mejor fotografía. Gordon Willis fue el responsable de la cinematografía de las tres películas, para las que diseñó un patrón de luces cenitales, llenos de sombras, como una manera de representar la maldad de los Corleone; sin embargo, se considera que especialmente en esta última entrega es donde se pueden percibir las secuencias más memorables.
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“Touch of Evil ” (1958), Orson Wells
Fotografía: Russell Metty
El plano secuencia de tres y medio minutos al inicio de la cinta, es todavía un hito en la historia del cine, que además significó una revolución muy importante para la época y los medios disponibles. La película fue rodada en un riguroso blanco y negro, donde el uso de la luz fuerte y los altos contrastes entre sombras y zonas iluminadas ayudan a crear la densa atmósfera del filme.
Estas son otras películas que destacaron por su sobresaliente fotografía, si das clic en el título, te llevará directamente a ver el trailer de la cinta.
“Érase una vez en América”
“Ciudad de Dios”
“Gravedad”
“O Brother! Where art thou?”
“Drive”
“Gran Torino”
“Black Swan”
“Eastern Promisses”
“Shame”
“Fanny & Alexander”
Definitivamente, el séptimo arte se compone de diferentes elementos que son indispensables para poder lograr una buena película, y quizá muchos de ustedes podrían coincidir con que uno de los más importantes es el diseño de fotografía, pues sin importar el argumento, la música u otros componentes, puede lograr una pieza maestra basada enteramente en su visualización ¿Qué opinan? ¿Qué películas agregarías a esta lista?
Fuente: culturacolectiva
